日本画ってなぁに？

  大阪！、万博もあるし、きっと混んでいるだろうなーーーーーーと、なんとなく出かけるのがおっくうになっていたのですが、なんと！！つい先日まで倣作に取り組んでいた（このサイトで 制作レポート を上げています）大阪 金剛寺様の日月四季山水図屏風が展示されていると聞いてこれは行かねば！！と急遽、大阪まで出かけてきました。会場は大阪市立美術館、リニューアルされて初めての訪問です。 エントランス、展示室もきれいになっています。平日は予約がなくても入ることができました。期間中の展示替えもあって、本日一回でリストされているすべてを見ることはできないのですが、お目当ての日月四季山水図屏風は、混雑の中（画像は人物がフレームになるべく入らないように撮影しています）では有りましたが、不思議とじっくりとゆったりと見る事ができました。 以下、感想・覚え書き。 第１会場： Ⅰ　ニッポンの国宝−美の歴史をたどる　１　日本美術の巨匠たち 雪舟の山水長巻、天橋立図、慧可断臂図　３つの国宝が並びます。どれも墨色が年月を経たモノとは思えないほど美しく見えました。慧可断臂図、いつにもまして奥行きの深さを感じました。続いて、狩野永徳 常信の　唐獅子図屏風 六曲一双　昨年レプリカをじっくり見ましたが、やはり！！本物は違いました。何が違うのかについてじっくり見てきました＾＾；。迫力のある画面ですが、繊細、精緻な筆使いということを改めて思いました。違うのはやはり表現のダイナミックレンジといえばよいのか、絵師の込めた時間表現、緩急は、レプリカにはまだまだ難しいところがあるように思いました。京都・智積院の長谷川等伯の襖絵、ちょうど展示されていたのは楓図（６月１日まで）でした。これはもっと鮮やかな色合を期待していたのですが、すこし色の鈍さを感じてしまいました。保存のための絵の具押さえなども関係しているかもしれないと思いましたが、これは個人的な感想です。出来上がった当時はさぞ色は生き生きとして素晴らしいものだったと思います。婦女遊楽図屏風（松浦屏風）金箔といい、色の乗り具合といいとても状態の良いものでした。俵屋宗達の蓮池水禽図、好きな作品です。何度も見たことがある絵ですが、全体から受ける柔らかさ、階調の滑らかさ、空間の気配といったものを改めて感じました。どうしても手軽に見ることのできるネット上の画像や印刷物に目が...

 久々に絹本による制作を行っています。80号Fサイズ（幅145.5cm✕縦112.0cm）あります。また昔通り、絹枠に張っての制作ですので、表具の段階で絹に縮が出ることも考慮して、最終寸法の80Fサイズになるように一回り大きな枠での制作を行っています。使っている絹は、昔、縁あって手に入れることができた4尺幅のもの、使われている糸も太く、荒い目、硬い撚りのものです。 画像は、絹が水分を含むことによってたわみ、床面についてしまうことを回避するために空中に浮かせて乾燥を行っている様子です。 「水の記憶シリーズ」の制作については、ホームページに解説のページもありますが、あらためてこの取り組みについて紹介したいと思います。 先日来、このサイトで取り組みを紹介してきた「日月四季山水図屏風」のような古典的手法による倣作、もしくは制作は、私自身の、日本画と呼ばれる絵画とはいったいどんな絵画なのだろうという問いについて、私が惹かれる、もしくは憧れる何かを実作することで、その私が感じた何かの意味、在処を確かめようとするものです。加えて今に生きる制作者として、はなはだ微力ではありますが、それらが未来に向けて、興味をもった誰もが望めば体験、使用ができるような共有に向けた取り組みになればとこうして紹介をしています。 これまで使われてきた和紙や絹などの支持体、筆や刷毛などの道具、絵の具や膠といった存在、また表具といったいわば一体の環境といえるようなものまで含めて、出会うことが出来た素晴らしいと私が感じたこと、この国の文化の一部、特別だと思ったことなどを言葉にしたいと取り組んでいます。 絹は、基本的に絹枠に張って描きます。 必要な大きさの木枠（完成時に西洋絵画の基準サイズ、パネル寸法に合わせる場合、絹の収縮を考慮して布の縦方向により余裕をもたせた内寸にして枠を制作します）を作り、その枠に糊を付け、絹を貼り付けます。紹介している大きさだと、4尺幅の絹を横使いで張っています。結果、横方向により余裕をもたせた枠を制作しています。 上記画像は、絹枠に張った絹全体に水を塗っているところです。枠に張った絹にはドーサ液を前もって塗り、乾燥させています。ドーサ液を塗ることにより、このあと使う墨や絵の具が安定に絹に定着するようになります。 画像で何故水を塗っているのかといえば、画面全体を湿らせ、これから塗...

 中央下部にある岩礁を描きこみました。描くことで、改めてこの時代の中国絵画的な表現を強く感じることになりました。これも今回の収穫の一つです。 海の表現、波頭、波の描き方など、公開されている科学調査（東京文化財研究所　真言宗御室派大本山 天野山金剛寺所蔵　国宝 日月四季山水図　光学調査報告書）による銀泥と金泥によって実際に描いてみることで、今回、その仕上がりの品の良さといったものを実感することになりました。また盛り上げ絵の具の上に銀箔による表現、銀砂子なども同様です。 光がどちらの方向から来るのかによって月が現れたり、消えたり。また空の銀箔が、夜の空間に見えたり、そうではなくなったり。月のみに鉛白の下塗りがあることによる大きな見え方の違い。今回結果的にそのように見えたことは大きな収穫でした。同時に銀箔による陸地の表現も月に照らされ輝く砂浜に見えると同時に海が一段暗く見え、いかにも夜の海らしく感じたり。波頭に貼ってある銀箔の光の反射についても、盛り上げ絵の具の上に貼ってあるからこそ多様な方向からの光を反射するのだと納得したり。 500年が経過した現在眼にすることが出来る屏風のそっくりなコピーを作ることが描く目的ではありません。この絵画の持つ魅力、人を引き付ける引力のようなものへ至る秘密を描くことで見つけ出したい、実感したいというのが偽らざる気持ちです。 絵描きとして、実際に描くことで知ること、得られること。「倣作」の意味についてを今回改めて確認する作業となりました。以前、幸運から行うことが出来た尾形光琳の紅白梅図屏風の倣作のおりに出会えたことを今回は意識的に行えたのです。琳派！に見られるような、私淑という継承が有り得るのだと。 絵の具の扱い、塗り方などは、ある意味で狩野派であったり、土佐派に包含されるものでしょう。ことさら特別のことでは有りません。何に「絵描きとして」共感しているのか。あえて言うなら、それは「この国の持っている豊かさへの共感」といったものではないかということなのです。 金雲も金箔を貼った後、最終的に金泥で照り押さえをしました。光の反射が一段押さえられ、水の流れ、波頭に使用した銀箔がより効果的に見える様に思いました。 日月四季山水図屏風　左隻の倣作作業レポートは、今回が最終回です。このあと、この屏風は表具師の方にお願いして、表の本紙に描くことで生じ...

 屏風全体に色が入りました。残す作業は、細部の描き込みとなります。全体のバランスを確認するために、床に平置きしていた屏風を平面として立ててみました。 夜、天井からの光による状態です。 この後、夜中、岩礁に群青と焼いた緑青の色を入れました。描き入れて思ったのは、この彩色による想定以上の効果です。屏風の形状と密接に関係した形、岩礁の彩色を実感しました。 翌日午前　屏風らしく折り曲げた形にして、画面左方向からの光での見え方です。この光線からの方向では、月が見えなくなります。画像では砂浜らしき陸地についても見えにくい様子ですが、肉眼では、銀箔と波、海は明確に異なった質感で、画像のように同一化することは有りません。 視線は、思う以上に滝の流れを遡っていくことにより、奥へ奥へと導かれ、雪山に至ります。銀箔による空が思う以上に特別な存在として感じられるように思いました。 時間の経過とともに、光線の方向性、色が微妙に変わりました。見る角度を変えての撮影です。 夜、天井からのメインの照明を消して、右からの光のみにして撮影してみました。屏風の面毎による明るさの違い、人間の眼にはこれほどのコントラストは感じられません。月が輝いているように見えます。砂浜が月に照らされて明るく輝き、海が暗く沈みます。同様に闇に包まれる山並み、滝によって海に注がれる水の流れも、月に照らされて闇に輝いているようです。 月は、他の空と違い、銀箔二枚重ねとしていますが、一枚のみで仕上げた方がより空との違いを感じやすかったかもと思います。どちらが良いかについて、2種類作って見比べてみないと確かなところはわからないのですが、これも今回こうして制作したからこそ気になったことの一つです。 さて、この 「日月山水図屏風」左隻の倣作　制作のリアルタイムレポートも9回となりました。次回の⑩回は、「細部の仕上げについて」作業レポートの最終回の予定です。

 屏風右上方の雪山、雪をいただいた木々を描きこみ、続いて左上方緑濃い山の描写を行いました。盛り上げと銀箔による水の流れ、それがどのようなところを通って海に至るのか。生の群青、少し酸化をさせて渋くした松葉緑青によって描き進め、滝として海に注ぐところまで。 窓の外に広がる現実世界は、新緑から緑濃い初夏に変わっていこうとしています。西洋的なリアリズムによるそれではなく、日本画の画材、限られた色数しかない天然材料、色料ではあるのですが、こうして昔ながらの描法で描き進めていると、この国の自然の姿、色合いと見事に調和するように思うのです。かつての先人たちもそこに魅力、実感を見つけたのかもしれません。 雪山、雪の積もった松などの木々。盛り上げ技法によって立体感をもった雪は、光線の具合によって松の緑に微妙な陰影をもたらします。これも実際に描いたから実感できる世界。 控えめな紅葉の色合いが樹間にあります。山の緑も夏を描いた右隻に比べて少し黄色みを帯びたものとして仕上げました。これも粒子がある程度ある緑青によるものなので、画面を立てて見ると、この寝かせて描いている状態とは色味 が違って見えます。 手前の岩礁、松の小さな枝先、幹、そして松葉。下塗りの終わった上に、上絵の具を乗せていきます。どの程度の緑の深さにするかが試されるところ。手本とする絵画が、実際に描かれた当初、どのような色合い、仕上がりであったのか。使われた材料、描法によってある程度は推測できるにしろ、私が今の時代に描くことによる解釈、生きた制作、表現になるように、筆の動かし方、色の選択、響きを見つけようと試みます。 まずは、銀箔による砂浜らしき陸地に生えた松。岩礁を描き進めます。それらに一通り上塗り、仕上げの色が入ったら、本物に見ることが出来る、金泥による描きこみや、水の飛沫の表現、滝の傍らにある植物の葉など、描き加えます。